miércoles, 23 de julio de 2008

Fotografía Digital ¿Por donde empezamos?

Espero no apabullarlos con información, pero es que ya nos queda muy poco tiempo, así que aquí les posteo información básica sobre fotografía, que pueden ampliar pulsando en los enlaces. La información fue extraída de dZoom, unas páginas más que interesantes para aquellos que gustan de la fot0grafía.


Prof. Ma. Mercedes Varela

Reglas de Composición

La composición de la fotografía es uno de los elementos que más influyen en la belleza de una instantánea. Es terciossorprendente lo que puede llegar a ganar una fotografía realizando sencillamente un reencuadre de la misma. Composición no significa tanto elegir qué motivos introducir en una foto, sino dónde colocar cada uno de los que hay. Existen un buen puñado de reglas que nos ayudarán a componer en fotografía. Estas son algunas de ellas:

La fotografía no es ciencia, sino arte. Podrás ver que, en ocasiones, hay grandes fotografías muy bellas en las que no se cumplen algunas de las reglas de la composición. Pero para los principiantes, no cabe duda de que son de gran ayuda.

Tu Cámara y Sus Controles

metering Todo en fotografía gira alrededor de la luz. Y tu cámara cuenta con diferentes controles para determinar el modo en que dicha luz se recoge. Una vez que tenemos decidido el encuadre de una foto, existen una serie de controles que podemos utilizar para jugar con los niveles de enfoque, intensidad, colorido, etc con que queremos que cada uno de los elementos y planos de nuestra instantánea aparezcan. ¿Cuáles son esos controles? ¿De qué modo y con qué propósito podemos jugar con ellos?. Si no lo tienes del todo claro, echa un vistazo:
  • La abertura es uno de esos controles mágicos. Permite controlar la profundidad de campo que tiene nuestra foto. Si no sabes lo que es la profundidad de campo este artículo te explica lo que es con ejemplos. La abertura se mide en valores F: para entender lo que son y cómo usarlos, este artículo te cuenta los misterios del número F.
  • Las cámaras digitales realizan multitud de ajustes de modo automático por nosotros. Miden la cantidad de luz que tiene una escena para poder ajustar el nivel de exposición de cada uno de los elementos de nuestra foto (si están muy claros (sobreexpuestos) u oscuros (infraexpuestos). Tu cámara te permite decidir el modo en que debe medir la luz tu cámara, mediante lo que se llaman los modos de medición (metering). Si quieres sabes cómo jugar con ellos, echa un vistazo a este artículo.
  • Existen ocasiones en que una foto queda con un tono amarillento o azulón no deseado. Se debe a que en la escena original existía una dominante en la luz que nuestro cerebro neutralizaba cuando estábamos allí, pero que la cámara digital registró. Para poder equilibrar el efecto de dichas dominantes (tonalidad y color de la luz principal) las cámaras cuentan con un control que recibe el nombre de balance de blancos. Para descubrir todos sus secretos, echa un vistazo a Balance de Blancos: Qué es y Cómo se Usa.
  • Otro de esos controles típicos con que nos encontramos es la sensibilidad ISO. Se trata de una función con que cuentan las cámaras digitales y que permiten emular el comportamiento de las cámaras tradicionales cuando funcionaban con película química de diferente sensibilidad. Para profundizar, consulta Sensibilidad ISO: Qué es y Cómo Funciona.

Errores Típicos y los Mejores Consejos

consejos A menudo, una de las mejores formas de dar los primeros pasos en una afición es siguiendo una serie de recetas básicas. Con la fotografía no sucede de modo diferente, de manera que sirve de gran ayuda conocer cuáles son los errores más frecuentes y los mejores consejos para contrarrestarlos. Ahí te un buen puñado de consejos:

Ahora ya los conoces. Estás prevenido ;).

Cómo hacer un guión técnico

Aquí nos encontramos con algunas ideas para armar un guion técnico para filmar un video.

En esta etapa se deben describir las imágenes y sonidos tal como aparecerán en el video. Se puede
utilizar la técnica del storyboard que consiste en construir un cuadro con dos columnas cada una
de las cuales describirá lo que se ve y en otra lo que se escucha. El conjunto del video se divide
en escenas. De cada escena se ofrece información visual y sonora.
Se puede utilizar un código para nombrar las escenas, por ejemplo 3.v se referirá a la
escena 3 efectos visuales y 3.s escena 3 efectos
Descripción de lo visual: Los actores, su posición y sus movimientos, el escenario. Hay
que describir el encuadre la iluminación. Tienen que constar también los signos de puntuación
es decir la transiciones entre las escenas.
Descripción de lo sonoro: La voz en off, si la hay o los diálogos de los personajes, los
ruidos del ambiente, la música. Y la manera en que se integran las secuencias sonoras.
Es necesario que el programa comunique las ideas a través de las emociones no las
emociones por un lado (música sugerente o bellas imágenes) y las ideas por otro (discurso a
través de un texto hablado).
Las imágenes no solo deben describir un texto hablado sino que deben transmitir
sensaciones.
La música debe servir para crear un clima apropiado al ambiente que se quiere lograr.
No es conveniente utilizar una sola pieza musical, pero tampoco puede ser un cambio constantes
de melodías. Tampoco es recomendable la utilización de piezas populares porque ya están
cargadas de significado y distraerían al espectador.
Los efectos musicales tienen distinto uso según sea el genero del video. Por ejemplo en
los programas informativos, los efectos sonoros podrían cumplir una función de aportar
información sonora, mientras que en los videos motivadores podría cumplir la función de crear
un clima propicio. El silencio tiene un importante efecto sonoro cuya presencia o ausencia
puede causar efecto de plenitud o vacío.

La palabra debe ser concisa y precisa ya que de ser exagerada podría inclinar al
espectador a dejarse llevar por la música y las imágenes. Debe ser elocuente, no describir una
imagen.

Técnicas básicas de filmación

Estas técnicas las encontré en la página ClubPremiere: el club de los editores de video como les decía en el artículo anterior, debemos prepararnos para crear una "superprodución".

Prof. Ma. Mercedes Varela

Introducción

Me voy a atrever a dar unos consejos básicos para que tratemos de conseguir los mejores vídeos posibles.

Lo haré desde la perspectiva de los modelos "clásicos" de filmación, en los últimos tiempos han aparecido tendencias novedosas ( como la de mover la cámara continuamente, añadir grano artificialmente, saturar colores, etc)

Más que nada, se trata de unos consejos prácticos basados en el sentido común. La mejor manera de aprender es practicar y fijarse mucho en cómo están rodados los documentales o programas de la televisión.

Consejos básicos

1. Controlar la duración del vídeo:

Todos hemos experimentado la sensación de horror y sudor frío cuando un supuesto amigo nos deleita con su último vídeo de 90 minutos .... insoportable. Se dice, que un vídeo doméstico no debería durar más de 10 minutos, por encima de ese tiempo la potencial audiencia está ya completamente harta del vídeo en cuestión. Y esto es así porque un vídeo doméstico está mal hecho, no es atractivo, no tiene interés. Cuanto mejor sea el vídeo doméstico, más se puede alargar la duración del mismo.

2. No mover la cámara

La cámara, quietecita. Lo mejor es usar un trípode. La cámara de vídeo hay que considerarla como una cámara de fotos con muchos fotogramas. Si queremos recoger otro punto de interés, se pasará a PAUSA, se moverá y se empezará de nuevo a grabar. Solo los expertos y profesionales se pueden permitir el lujo de mover la cámara y que les quede bien, eso es muy difícil. Hay excepciones, por supuesto. Hay veces que interesa seguir a un sujeto en movimiento, siendo de más interés si el sujeto se acerca que si se aleja (por tanto, hay que prever la situación y adelantarse al sujeto, los aficionados suelen recoger la acción al revés, con el sujeto alejándose y de espalda .... muy mal ). Respecto a panorámicas de paisajes, lo ideal es usar una lente gran angular evitando mover la cámara. Para recoger todo la panorámica hay que mover la cámara muy lentamente y solo en un sentido. Los profesionales usan trípodes con amortiguadores especiales que suavizan el movimiento.

3. Por favor, tomas cortas

Las tomas no deben durar más de 7 u 8 segundos, de lo contrario se hacen muy pesadas. Otra opción es grabar tomas largas y luego acortarlas en la edición. No hay que repetir machaconamente una toma o situación, con unos segundos vale, el resto es superfluo, ya lo sabemos, ya lo hemos visto ....Si la cosa tiene mucho interés, cambia de ángulo para la siguiente toma.

4. No usar el zoom durante una toma.

Realmente este debería ser el punto nº1. Hay que olvidarse del zoom, como si no existiera. Los profesionales lo usan rara vez. Si quieres ampliar algún detalle, lo mejor es pasar a PAUSA, accionar el zoom deseado y volver a poner la cámara en REC. Esporádicamente se puede usar, pero siempre muy lentamente. A mí me gusta mucho más el zoom en sentido inverso ( se empieza con un detalle y se va ampliando el campo de visión).

5. Procura que la toma tenga acción o interés.

Hay que intentar captar aquello que tiene interés o gracia, mejor que sujetos estáticos. Cuando se graba a personas es mucho más enriquecedor captar a la gente haciendo cosas, trabajando, en situaciones que sabemos a priori que van a ser graciosas ( algún compañero de viaje tratando de comprar algo en una tienda y sin saber el idioma local). Es mejor grabar el "así se hizo" que el resultado final.

6. Controla la exposición y la luz

Los consejos típicos de la fotografía se aplican al vídeo. Hay que evitar las tomas a contraluz (aunque las cámaras suelen tolerar bien estos casos, a veces con resultados curiosos). Y tener muy en cuenta que la cámara no es tan perfecta como nuestros ojos. La cámara tiene muchísimo menos rango dinámico. Para la cámara, la situación ideal es un día nublado, con luces muy similares en todos los puntos. Las tomas contrastadas, con fuertes luces y sombras, que tan bonitas nos parecen a nuestros ojos, suelen acabar siendo un desastre cuando se graban en la cámara. Las zonas de fuertes luces aparecerán quemadas, sin detalle. Las zonas oscuras, quizás más oscuras de lo que eran en realidad. Es buena idea tener activado el "zebra patern", indicación en el visor de las zonas sobreexpuestas (el que lo tenga, claro). La iluminación es el secreto o la clave a la hora de realizar un vídeo profesional. Todos los profesionales iluminan adecuadamente sus sujetos, sea cual sea la situación original.

Hay veces, según lo ya comentado, en que el control manual de la exposición brinda mejores resultados que los modos automáticos. Solo la experimentación permite controlar estos aspectos técnicos de las cámaras.

Generalmente da mejor resultado el ajuste manual del balance blancos (ya sea haciendo un verdadero ajuste manual o forzando el modo "exteriores" o "interiores" ). Si durante una toma va a haber cambios (paso de exterior a interior) lo mejor es dejarlo en AUTO y que la cámara trate de ajustarse.

7. El control selectivo del enfoque

El enfoque selectivo es una técnica muy usada en fotografía y cine profesional. Consiste en mantener enfocado un sujeto, desenfocando el fondo. De este modo se concentra poderosamente la atención del espectador en el sujeto enfocado. Técnicamente, se consigue controlando la profundidad de campo. Para lograr poca profundidad de campo, hay que usar una apertura de diafragma muy grande ( generalmente las cámaras tienen unos modos automáticos que realizan este tipo de ajustes, en este caso hay que elegir el "modo retrato" ). Cuanto más potente es el zoom, menos profundidad de campo tenemos. Asi pues, habrá que usar una apertura de diafragma grande y un zoom potente. En situaciones de muchísima luz no es posible usar la máxima apertura de diafragma ya que la imagen se quema. En estos casos hay que poner un filtro de densidad neutra que rebaja la luz que entra al objetivo. Ni que decir tiene, que el enfoque hay que hacerlo MANUAL, para evitar que el autofocus de la cámara tome sus propias decisiones.

8. Planificar el encuadre

Antes de darle al botón de grabación hay que pararse a pensar un poco qué queremos sacar, desde qué ángulo y en qué momento. Yo soy de los que prefieren grabar "poco pero bueno" (muy entre comillas lo de "bueno") que "mucho y malo". La edición me damucha pereza, lo más seguro es que el vídeo se quede tal como fue grabado, por lo que soy muy selectivo grabando. Hay que buscar ángulos interesantes, tomas desde abajo o desde arriba, jugar con la perspectiva que proporcionan los gran angulares .... todo lo que contribuya a darle vida al vídeo.

En vídeo también se aplica la norma del "1/3" . El encuadre de divide en tres zonas verticales, situando al sujeto en uno de los dos laterales, es decir, NUNCA en el medio del encuadre. Si son personas, procurad no cortar las manos, o las piernas a la altura de la rodilla, ni tampoco la cabeza (aunque esto último cada vez para ser más habitual por lo que observo)

Un guión previo es importante. Si se trata, por ejemplo, de un viaje conviene planificar un poco el "guión", sabiendo qué es lo que queremos grabar (por ejemplo, la llegada al aeropuerto, el momento de sacar la tarjeta de embarque ... cualquier toma que refleja la "actividad" o el "así se hizo" del viaje. Muchas veces, a la vuelta del viaje, tenemos anécdotas que no hemos grabado por pereza o falta de "consciencia" de lo que debe ser el vídeo. Si se trata de una boda, pues lo mismo, intentar grabar cosas curiosas (al novio/novia vistiéndose o maquillándose ...).

9. EL audio

No hay que olvidar que el audio es el 50% del resultado final. La verdad es que no tengo ningún consejo práctico para dar en este sentido, ya que todas las soluciones profesionales pasan por llevar un micrófono adicional ( incluso un DAT o mini DISC para grabar el sonido a parte). Durante la edición se pueden añadir comentarios o música.Al igual que en el caso del vídeo, hay que procurar que el audio tenga interés por sí mismo.

10. No abusar de los efectos.

Todas las cámaras miniDV llevan incluidos diversos efectos y fundidos. Mi consejo es no abusar de ellos ( no usarlos nunca), salvo quizás el "fundido a negro" o el fundido simple de imágenes. Durante la edición se pueden realizar mucho más cómodamente. En cuanto a efectos o transiciones rebuscadas, los profesionales no los usan prácticamente nunca.

11. Técnicas "creativas"

Como podemos ver en casi cualquier programa de TV o serie, se están poniendo muy de moda diversas técnicas. Amén de ángulos insospechados y tomas aéreas, cada vez es más común el uso de efectos o técnicas que lo que buscan es dar un "aspecto de cine" al vídeo. Una de las más comunes en series de bajo presupuesto, es el movimiento continuo de la cámara (pero en un rango pequeño de distancia). Este efecto yo lo considero muy difícil de conseguir y a mí en particular no me gusta nada. En otras ocasiones se puede observar que la imagen es rara en el sentido de que parece que de vez en cuando se han saltado un fotograma (va como a tirones). Otros efectos, ya en postproducción, es añadir artificialmente más grano a la imagen y jugar con la saturación y tono general. En fin, las posibilidades del vídeo digital son infinitas.

La Secuencia de Producción

Se aproxima la fecha del viaje! tenemos que realizar nuevos preparativos y programar acciones. Por eso publicaré varios artículos relacionados con la producción audiovisual teniendo en cuenta que tenemos que filmar la promoción del viaje.
Así que aquí van algunos conceptos a tener en cuenta.

Pro. Ma. Mercedes Varela

Esta información la obtuve de Club Premiere, el club de editores de video

Para empezar debemos pensar en grande.

Los siguientes 15 pasos cubren las etapas de producción involucradas en una producción ambiciosa. Una vez que obtenga una idea general del proceso, puedes ajustar las cosas de acuerdo a las dimensiones de la producción que tenga en mente.



Identifique el Objetivo de la Producción

1. El paso más importante es el primero: identificar claramente las metas y objetivos de la producción.

Si no hay un entendimiento claro de las metas y propósitos de una producción será imposible evaluar su éxito. (¿Como puede saber si ha llegado a algún lugar si no sabía hacia donde iba?)

¿Es el objetivo instruir, informar, entretener o posiblemente generar sentimientos de orgullo, o necesidades sociales, religiosas o políticas? Posiblemente, el propósito de la producción sea crear un deseo en la audiencia que los lleve a alguna acción.

La mayoría de las producciones por supuesto tienen más de una meta. Trabajaremos sobre esto más tarde.



Analice su Audiencia

2. El paso siguiente es, identifícar y analizar su target o audiencia específica..

Basado en elementos como sexo, edad, estrato socioeconómico, nivel educativo, etc., los contenidos de un programa diferirán. Estas preferencias son también diferentes para partes diferentes de los Estados Unidos (Norte, Sur, zona urbana, rural, etc.). (N. del T.: Igualmente distintos países y regiones en América Latina tienen preferencias y realidades sociales distintas)

Estas variantes regionales pueden en parte ser inferidas por diferencias en la programación local en diferentes partes del país -- y algunas veces por los films y la programación que algunas estaciones locales se rehusan a transmitir.



La Demografía Determina
La Aceptación de Algunos Contenidos.

Es hora de revisar esas notas de "Realidad para Principiantes" que dicen que si constantemente ofende las preferencias y costumbres de la audiencia, tendrá un futuro muy limitado en el campo de la producción de TV.

Pero ¿qué sucede si no está produciendo para distribución general?

Al comprarse con la televisión de transmisión comercial, la televisión institucional, que incluye el video corporativo y educativo, tiene diferentes requerimientos y expectativas. Pero aquí también las características demográficas como edad, sexo y educación influencian el formato y contenido de producción.

En la televisión institucional el productor y el escritor también deben tener cuidado con las experiencias, educación, necesidades y expectativas de la audiencia.

Por ejemplo subestimar la educación o experiencia e inadvertidamente "hablar por debajo de" el nivel de una audiencia puede insultarlos. Sobrestimar la educación o experiencia y hablar por encima de todos es también negativo. De cualquier forma los pierde.


Analice Producciones Similares

3. Analice producciones similares hechas en el pasado. Si va a cometer errores, por lo menos que sean nuevos.

Pregúntese, ¿En qué difiere su propuesta de los éxitos o fracasos anteriormente realizados? ¿Por qué funcionaron y por qué no? Por supuesto, debe tomar en consideración la diferencia de épocas, locaciones y audiencias. (Los estilos de producción cambian rápidamente.)



Determine el Valor Básico de su Producción

4. El próximo paso es, determinar para el productor o patrocinador el costo total de la producción. Obviamente, el cliente o anunciante requiere de una retribución para su inversión.

Para ello tendrá que hacerse más preguntas. Primero, ¿Cual es el nivel probable de audiencia? Debe tomar en cuenta si acaso será una presentación única o si mas bien, los costos de producción podrán ser amortizados en el tiempo presentando el programa a otras audiencias.

Generalmente, mientras mayor la audiencia mas rentable la producción para clientes y patrocinadores. Pero los números no lo dicen todo.

Digamos que un anunciante tiene un producto diseñado para gente joven -- zapatos atléticos o jeans, por ejemplo. En este caso, una producción que atrae un gran porcentaje de este grupo de edad será más valiosa que una producción que posee una mayor audiencia general, pero con un menor porcentaje de gente joven.


Desarrolle un Argumento o
Propuesta de Programa


5. El paso siguiente es, escribirlo todo. Existen varios pasos que cimentarán la estructura entre la propuesta inicial al guión final de producción. Como recordará ya vimos los argumentos y propuestas de programa en un módulo anterior.

Una vez que la propuesta o argumento es aprobado, se requiere un guión completo.

La primer versión del guión es casi siempre la primera de muchas revisiones. Durante el proceso de revisión, una serie de conferencias de historia o conferencias de guión toman lugar mientras el escrito es examinado por algunas de las personas clave. Durante estas sesiones, asuntos como el perfil de la audiencia, ritmo, problemas con sub-grupos étnicos y religiosos, etc., son solucionados y son consideradas ideas alternativas.

El producto de todo ello es una versión del guión más o menos aceptable para todos. No obstante, ésta versión probablemente no será la definitiva. En algunos casos alguna escena puede estar siendo modificada en el mismo momento de su grabación.

Usualmente en la producción de films cada nueva versión es elaborada en un papel de color diferente para que el elenco y el personal no se confunda con versiones anteriores. (¡Margaret, despierta; estas siguiendo las páginas rosas y estamos en amarillo ahora!!)

Dependiendo del tipo de producción, un storyboard puede ser necesario. Un storyboard consiste en dibujos de las escenas clave con los diálogos correspondientes, sonido, efectos, música, etc. Es una especie de "comic" con detalles de producción.


Desarrolle un plan de Producción

6. El siguiente paso es organizar una plan tentativo. Generalmente el día límite de transmisión o de distribución determinara el plan de producción (la tabla de tiempos escrita que lista el tiempo destinado para cada paso desde el inicio hasta el final de producción).

Cuando no se planifica cuidadosamente puede no llegarse a una importante fecha límite, y puede incluso llegar perderse la producción.


Seleccione el Personal de Producción

7. En esta etapa el personal faltante es integrado a la producción. Además del productor y el guionista, el personal clave incluye el gerente de producción, director y en general los miembros del equipo creativo. El personal general, que incluye el equipo técnico generalmente es contratado o asignado más adelante.


Seleccione las Locaciones

8. El paso siguiente consiste, si la producción no es realizada en estudio, en decidir las principales locaciones. En una producción de envergadura un cordinador de locación o gerente de locación es contratado para encontrar y coordinar el uso de las locaciones sugeridas en el guión.

Aunque puede ser mucho más fácil grabar en un estudio de TV, los espectadores prefieren la autenticidad de locaciones reales, especialmente en producciones dramáticas.

Seleccione el Talento,
Vestuario y Escenografía


9. El paso siguiente consiste en tomar algunas decisiones sobre el talento, vestuario y los sets.

Dependiendo del tipo de producción, se pueden llevar a cabo audiciones en esta etapa como parte del proceso de casting (selección de las personas para los diferentes roles). Una vez que se toman las decisiones, los contratos son negociados y firmados. (Si tiene la suerte de poder contar con actores conocidos, es probablemente porque ya habían sido seleccionados previamente en la pre-producción.)

Una vez que el talento o actores son contratados, la selección del vestuario puede comenzar.

El escenógrafo revisará el guión, probablemente realice una investigación y entonces discutirá sus ideas con el director. Una vez que se llegue a un acuerdo, presentará bocetos de los sets para una aprobación antes de comenzar con la construcción.

Los ensayos son programados desde las primeras lecturas (dry run) hasta los ensayos generales con vestuario (dress rehearsal). Aunque los sets todavía no hayan sido terminados, el talento puede empezar lecturas del guión con el director para estabelecer, ritmo, énfasis y las marcas básicas (posiciónes en el set, muebles, cámaras, actores, etc.) Una vez que los sets son terminados, el marcado final y los ensayos generales con vestuario pueden llevarse a cabo.


Seleccione el Personal
de Producción Restante


10. Toma las decisiones sobre las necesidades y el personal restante de producción. En esta etapa pueden llevarse a cabo acuerdos sobre el personal técnico clave y las facilidades de producción. El transporte, abastecimiento o catering (por medio de camiones de alimentos y bebidas) y hospedaje en locación (para estadías nocturnas) debe también ser negociado.

Obtenga Permisos,
Seguros y Acreditaciones


11. En las grandes ciudades y muchos países no es posible solamente llegar en la locación deseada y comenzar a grabar. Deberá obtener permisos de acceso, licencias, fianzas o garantías y pólizas de seguro.



Seleccione Insercopmes de Video, Imágenes Fijas y Gráficos

12. Según el progreso de la producción, las inserciones del programa pueden ser seleccionadas y grabadas por una segunda unidad de trabajo. Durante esta fase pueden llevarse acuerdos para grabar y adquirir los derechos de uso de videos pre-existentes, imágenes fijas y gráficos. Muchas veces es posible ubicar y adquirir material existente de films o videotecas en varias servicios especializados, que ahorra costos de producción o permite obtener una toma (histórica por ejemplo) imposible de obtener por otros medios.

Si el material necesario no está disponible o no cubre las expectativas de producción, una segunda unidad de debe ser configurada para producir los segmentos necesarios. El trabajo de la segunda unidad es una producción hecha separadamente de la locación principal y con un equipo de producción separado. Generalmente no incluye el talento principal en cámara.

Si alguna parte de una producción dramática requiere de un edificio específico, por ejemplo una segunda unidad puede grabar los exteriores necesarios en Chicago, mientras que las tomas interiores (Que supuestamente se llevan a cabo en un edificio de Chicago) son realmente grabadas en Los Angeles (donde viven los actores).

Las decisiones sobre la música son tomadas en esta etapa. La licencias de uso y pagos por derechos de autor son acordados para los elementos musicales y visuales. (Estas cuestiones serán discutidas más a detalle más adelante.)


Los Ensayos y la Grabación

13. Dependiendo del tipo de producción, el ensayo puede llevarse a cabo minutos o días antes de la grabación. Las producciones grabadas en caliente (sin parar a excepción de problemas mayores) deben ser completamente ensayadas antes de comenzar. Esto incluye lecturas, ensayos de cámara y uno o más ensayos generales con vestuario.

Las producciones al estilo cinematográfico con una sola cámara, son grabadas escena por escena. Los ensayos generalmente se llevan a cabo poco antes de grabar la escena.


La Fase de Edición

14. Completadas las tomas, las cintas deben ser revisadas por el productor, el director y el editor quienes toman decisiones sobre la edición. Para producciones de cierto calibre esto se hace tradicionalmente en dos fases.

Primero se lleva a cabo una edición. Durante esta fase de edición se llevan a cabo todos los ajustes necesarios de sonido, balance de color y efectos especiales.

Seguimiento de la Post-producción

15. Aunque la mayoría del personal de producción habrá concluido su trabajo una vez que producción esté en esta fase todavía hay mucho que hacer en el seguimiento de la producción. Cuentas fnales son pagadas, estados financieros cerrados, y el éxito o fracaso de la producción es determinado. En las transmisiones de televisión, existen ratings; en la televisión institucional puede haber pruebas, evaluaciones o simplemente retroalimentación del espectador para ser considerados.

viernes, 11 de julio de 2008

Fundamentos del diseño gráfico

itinerario dias 3 y 4

DIA 3) Miércoles 20
7:30 hs. Desayuno.
10:00 hs. Comienzo de un nuevo recorrido, planta industrial de Papel Prensa.
12:00 hs. Almuerzo en el Fuerte.
15:00 hs. Visita a establecimiento La Campiña.
18:30 hs. Merienda
19:00 hs. Actividades en el Fuerte
21:00 hs. Cena
22:30 hs. Fogata y otras actividades.

DIA 4) Jueves 21.
7:30 hs. Desayuno.
8:30 hs. Visita a las instalaciones de la fábrica de Arcor – BIES.
8:45 hs. Visita a la Casa museo Fernando García Curten. – EGEOR
10:00 hs. Visita a las instalaciones de la fábrica de Arcor – EGEOR
10:15 hs. Visita a la Casa museo Fernando García Curten. – BIES
12:00 hs. Almuerzo.
14:00 hs. Salida del fuerte con un guía para realizar un último recorrido de la ciudad.
Al terminar el recorrido regreso al lugar de partida inicial San Cayetano.

Itinerario: Día 2

Aca les contamos lo que vamos a realizar el segundo día en el viaje a San Pedro:

Llegada a San Pedro a las 8:00 hs de la mañana aproximadamente. Alojamiento en el Fuerte de Obligado, desayuno
10:00 hs. Visita a Hidrógeno Solmi – Se proyectará un Power explicando los orígenes del proyecto hasta nuestros días.
12:00 hs. Almuerzo en el hospedaje.
14:00hs. Comienzo de las actividades que ofrece el Fuerte
17:30 hs. Merienda.
18:30 hs. Visita a un vivero - A confirmar
21:00 hs Cena en el fuerte.
22:00 hs. Paseo por el centro de la ciudad, para conocer su arquitectura.

miércoles, 2 de julio de 2008

Viaje a San Pedro


La empresa que hemos creado está organizando un viaje de estudio a la ciudad de San Pedro. Lo realizaremos para poder generar material para un video que nos servirá para promocionar y vender. También esperamos recoger materiales fotográficos, fílmicos, gravaciones de entrevistas, paseos, recorridos, que les sirva a los alumnos de otros años, como insumo para sus estudios.
En este artículo mostraremos el recorrido que vamos a realizar en San Pedro.
Itinerario: para realizar la excursión en esta zona, pensamos en un programa de 3 días y 4 noches de alojamiento con pensión completa (desayuno, almuerzo, merienda y cena).

Alojamiento en cabañas para mujeres y para varones por separados.
Viaje en ómnibus o según la cantidad de pasajeros en minibús, con el acompañamiento de profesionales locales especializados.
Visitas programadas según el itinerario que a continuación vamos a ir detallando.
En esta post vamos a detallar lo que haremos el primer dia.

DIA 1) Lunes 18 de agosto salida desde San Cayetano a las 20:00 hs. Viajando en micro ómnibus equipados con baño, tv, asientos reclinables, aire acondicionado, calefacción, etc. Con destino a San Pedro.




En otras entregas publicaremos lo que vamos a hacer el resto de los días.
Departamento de Producción